El Museo Thyssen descubre los demonios, espíritus y chamanes ocultos en sus pinturas

Demonios, espíritus, chamanes y otros seres relacionados con la magia, la alquimia o la astrología han vivido durante siglos en un entorno cultural hostil y se han camuflado en cuadros y pinturas cuyo rastro oculto descubre ahora en una exposición el Museo Thyssen-Bornemisza.

"Lo oculto en las colecciones Thyssen-Bornemisza" es el título de esta exposición que se abre mañana al público en Madrid y que reúne 59 obras de arte de las colecciones del museo, tanto de la permanente como la de Carmen Thyssen) en las que se han detectado algunos de estos mensajes cifrados, desde las alegorías del Renacimiento hasta las manifestaciones de vanguardia del siglo XX.

Mensajes tan escondidos como el que fue descubierto en el cuadro "La piedad" de José de Ribera (1633) por un vigilante del museo: un ojo entre los pliegues del sudario que mira al espectador, que puede ser desde un ojo diabólico al del propio artista.

O la figura borrada de la hermana de Eduard Munch en el cuadro "Atardecer" (1888), pintor ligado al espiritismo y que recuerda a los entes transparentes de las fotografías con las que experimentó, con la doble exposición, y que servían para emular la captura de fantasmas.

Guillermo Solana, director artístico del Thyssen y comisario de esta exposición, ha explicado la relectura que hacen los museos de sus propias colecciones en las que obras conocidas por el público se exponen bajo otra mirada.

Es lo que ha ocurrido con "Lo oculto", que demuestra a través de esta selección de pinturas de las colecciones del Thyssen cómo las ciencias ocultas -alquimia, astrología, demonología, espiritismo, teosofía, chamanismo- encontraron en las artes visuales el terreno ideal para transmitir sus mensajes cifrados.

"Lo oculto recorre toda la historia del arte, todos los géneros y una colección como la nuestra, con tan amplio recorrido, es muy adecuada" para esta relectura, ha indicado Solana que ha señalado cómo la relación del arte con lo oculto fue considerado "un tema incómodo, cuando no francamente sospechoso", hasta los años 80 del pasado siglo.

Pero en los últimos años están muy en boga los temas ocultistas en el arte, una corriente que considera que puede estar relacionado con el nivel de incertidumbre que vive el mundo en la actualidad.

El itinerario de la exposición diseñado por Solana comienza por la alquimia, con frecuentes referencias en la pintura del Renacimiento, y que están representadas con pinturas como "San Juan Evangelista en Patmos", de Cosme Tura (1470-1475).

La alquimia entró en declive con la revolución científica pero su simbolismo persistió en el arte y reapareció con el surrealismo en el siglo XX, como se ve en "Árbol solitario, árboles conyugales" (1940) de Max Ernst.

La astrología está muy representada en la pintura y el simbolismo de la luna y el influjo de sus ciclos ha sido fuente de inspiración en la pintura, con ejemplos que van desde "El cristo resucitado" de Bramantino, de 1490, a "Calle de Nueva York con luna" (1925), de Georgia O´Keefe.

"Creo en las fuerzas que nos conducen oscuramente. Creo en la astrología. Soy un Tauro con ascendente Escorpio. Por eso, quizá, en muchos de mis cuadros se ven bolas, círculos que evocan los planetas regentes", decía Joan Miró, de quien se incluyen dos pinturas en la exposición.

Los demonios están presentes en figuras reconocibles o faunos y sátiros de la mitología, pero también hay otros con rostros grotescos y presencias inquietantes en pinturas de Durero o Lucas Cranach, además de versiones renovadas del infierno, como "Metrópolis" de George Grosz, ya del siglo XX.

Del ocultismo, que nació en el siglo XIX en Estados Unidos, hay además de Munch, obras de Willard L.Metcalf o Paul Delvaux, entre otros

Otro de los apartados de la exposición es el movimiento teosófico, fundado en 1875, y que combinaba elementos de la tradición esotérica occidental con religiones y filosofías orientales. A comienzos del siglo XX inspiró a los pioneros del arte abstracto, como Kandinsky y Kupka, Balla y Severini, Mondrian y Van Doesburg, presentes también en "Lo oculto".

Y los sueños y las premoniciones del surrealismo están representados también por obras de Dalí, Delvaux, Balthus, Bacon o Schad, este último con su inquietante sombra tras el retrato del doctor Haustein, de 1928.

.Pero en los últimos años están muy en boga los temas ocultistas en el arte, una corriente que considera que puede estar relacionado con el nivel de incertidumbre que vive el mundo en la actualidad.

El itinerario de la exposición diseñado por Solana comienza por la alquimia, con frecuentes referencias en la pintura del Renacimiento, y que están representadas con pinturas como "San Juan Evangelista en Patmos", de Cosme Tura (1470-1475).

La alquimia entró en declive con la revolución científica pero su simbolismo persistió en el arte y reapareció con el surrealismo en el siglo XX, como se ve en "Árbol solitario, árboles conyugales" (1940) de Max Ernst.

La astrología está muy representada en la pintura y el simbolismo de la luna y el influjo de sus ciclos ha sido fuente de inspiración en la pintura, con ejemplos que van desde "El cristo resucitado" de Bramantino, de 1490, a "Calle de Nueva York con luna" (1925), de Georgia O´Keefe.

"Creo en las fuerzas que nos conducen oscuramente. Creo en la astrología. Soy un Tauro con ascendente Escorpio. Por eso, quizá, en muchos de mis cuadros se ven bolas, círculos que evocan los planetas regentes", decía Joan Miró, de quien se incluyen dos pinturas en la exposición.

Los demonios están presentes en figuras reconocibles o faunos y sátiros de la mitología, pero también hay otros con rostros grotescos y presencias inquietantes en pinturas de Durero o Lucas Cranach, además de versiones renovadas del infierno, como "Metrópolis" de George Grosz, ya del siglo XX.

Del ocultismo, que nació en el siglo XIX en Estados Unidos, hay además de Munch, obras de Willard L.Metcalf o Paul Delvaux, entre otros.

Otro de los apartados de la exposición es el movimiento teosófico, fundado en 1875, y que combinaba elementos de la tradición esotérica occidental con religiones y filosofías orientales. A comienzos del siglo XX inspiró a los pioneros del arte abstracto, como Kandinsky y Kupka, Balla y Severini, Mondrian y Van Doesburg, presentes también en "Lo oculto".

Y los sueños y las premoniciones del surrealismo están representados también por obras de Dalí, Delvaux, Balthus, Bacon o Schad, este último con su inquietante sombra tras el retrato del doctor Haustein, de 1928.

Rastros de lo oculto con referencias a veces explícitas y otras como meras hipótesis que la exposición invita a descifrar hasta el próximo 24 de septiembre.

(FUENTE: lavanguardia.com)

Pintora, escritora, aventurera y mística: una exploración al interior de un personaje maravilloso en “El tarot de Leonora Carrington”

El surrealismo y el misticismo fueron dos cosas presentes en la vida de la pintora y escultora Leonora Carrington. Era bien sabido que la artista de origen británico era una fiel creyente de las artes adivinatorias del Tarot. Ahora, a poco más de un centenario de su nacimiento y a once años de su ausencia en el mundo del arte, Susan Aberth y Tere Arcq se encargarón de publicar “El tarot de Leonora Carrington”, un libro bajo el sello RM que se basa en las pinturas de los 22 arcanos mayores que ella pintó.

“Como una persona joven, estoy segura que Carrington se sintió muy atraída por estas creencias, de la misma forma en que mucha gente joven de hoy se siente atraída por cosas mágicas, por ejemplo, por Harry Potter, pero solo hasta que los jóvenes crecen, maduran, hay más experiencia e inteligencia para entender toda la profunda naturaleza de algo como el tarot, su filosofía, y el esoterismo”, expresó Susan Aberth en entrevista con Milenio.

El libro fue creado durante el confinamiento de la pandemia, originalmente esta colección fue lanzada en Estados Unidos con el fin de demostrar cómo los arcanos nutrieron su obra, pensamiento e influyeron de forma crucial de su cosmogonía artística. Las autoras en días recientes acaban de publicar “El tarot de Leonora Carrington”, una versión ampliada y completamente en español. Este libro también es un homenaje al lado más mágico de una mujer, visionaria del mundo artístico con inclinación en los conocimientos esotéricos.

Su obra fue una de las principales precursoras de la corriente del new age que devino del surrealismo de sus obras más icónicas, Leonora Carrington mediante sus pinturas profundizó en los significados ocultos y místicos de sus gustos personales, fue hace poco que se dio a conocer la existencia de su propio Tarot y ahora esta estas piezas de colección llegan para ser apreciadas en este libro, recién llegado a las librerías mexicanas el pasado 20 de diciembre, después de agotarse en Estados Unidos.

Esta no es la primera vez que las investigadoras analizan la obra de la artista británica. Susan Aberth, quien se desempeña como profesora de Historia del Arte y Cultura Visual en el programa de Teología en el Brand College de Nueva York, en 2004 publicó “Leonora Carrington. Surrealismo, alquimia y arte”, un título donde junto a la especialista en arte Tere Arcq y otros conocedores del trabajo de Carrington, se dieron a la tarea de analizar la influencia del tarot en la pintora, como en el retrato que le hizo a María Félix o a su hijo, Enrique Álvarez Félix en Quería ser Pájaro; pero, ahora se dedicaron juntas a ahondar en la influencia de los arcanos.

“El tarot de Leonora Carrington” se compone de 22 imágenes en cartulinas pintadas con témpera y hoja de oro y plata. “El tarot fue una cosa muy popular con Leonora y sus amigos como María Félix o Alejandro Jodorowsky. Porque ella fue la maestra de Jodorowsky en el tarot. Hacían sesiones en la cocina de Leonora, cuando ella ya estaba casada con Chiki Weiz, padre de sus hijos”, explica Tere Arcq.

Para Aberth Y Arcq, el afortunado descubrimiento de este mazo de cartas que la artista comenzó a pintar desde los años cincuenta, fue el faro de luz para qué completarán sus obras dedicadas a la vida y obra de la mente detrás de obras como “Los Pantalones de Ulu”, “Y entonces apareció el minotauro” y “Ravarok” entre otras más; para el tiempo que se dio a conocer el descubrimiento, Tere Arcq se encontraba trabando en la retrospectiva Leonora Carrington. Cuentos Mágicos, que se montó en el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México en 2018.

Estas 22 cartas fueron un misterio oculto para el mundo hasta hace cuatro años, Arcq como curadora de arte y especialista en la obra de la pintora surrealista, propuso a Susan Aberth, a Robert Ansell, editor de Fulgur Press, y a Gabriel Weisz Carrington la creación de un libro poco tiempo después que se dio la noticia. Para Arcq y Aberth, representó la oportunidad perfecta para continuar por el filo ocultista de la obra de Carrington y sobre todo su educación rodeada de cuentos celtas, deidades irlandesas, su fascinación por la alquimia, cábala, mitología, brujería y tarot.

(FUENTE: infobae.com)

Pintor secuestrado por extraterrestres pinta sus vivencias

David Huggis, de 75 años, es un pintor de Hoboken, Nueva Jersey, que en 1987 fue abducido por los extraterrestres que le hicieron una petición poco común.

El artista señala que los alienígenas le pidieron hacer un registro visual de sus experiencias, y desde ese momento ha estado pintando los recuerdos que tiene de su secuestro.

David ha declarado que su virginidad la perdió con una mujer alienígena de nombre Crescent a los 17 años, además de que ha engendrado alrededor de 50 bebés híbridos extraterrestres, situación que los alienígenas le han permitido poner en sus cuadros.

En sus cuadros David se describe como un artista externo o alguien que se encuentra más allá de los límites del mundo del arte tradicional. 

El pintor señala que no le importa si la gente realmente cree en su historia, pero que describe sus experiencias y personajes con las que ha contactado con seriedad. 

Otro artista conocido por tener obras que relatan sus vivencias con los extraterrestres es Ionel Talpazan, un pintor rumano que se dedicaba a vender sus obras en las calles de Manhattan en los años 80's. 

En sus obras Ionel detallaba ovnis y hacia representación de la vida en el espacio, estas un día llamaron la atención de un comerciante y fue así como a partir de 1990 sus obras fueron expuestas en galerías y museos.

(FUENTE: lasirena.la)

¿Y si el arte abstracto lo inventaron dos mujeres espiritistas?

El 20 de julio de 1861, durante una sesión de espiritismo, la artista Georgiana Houghton (1814-1884) pidió a los espectros un favor: que su hermana Zilla, una consumada dibujante fallecida años atrás, la empleara como médium para crear obras artísticas. Los espíritus respondieron negativamente. Imposible. Houghton pasó a la segunda opción, su hermano Cecil. Tampoco hubo éxito.

Entonces llegó, por fin, la ayuda esperada. Se llamaba Henry Lenny y era el espíritu de un pintor que en vida había sido ciego y sordo. "Inmediatamente tomó el control de mi mano, que estaba quieta sobre el tablero espiritista, y trazó varias curvas y líneas", escribiría Houghton años más tarde en sus memorias. "Después sentí el impulso de sustituir el lápiz negro por uno azul, con el que dibujó sobre el mismo trozo de papel. Y se me concedió el permiso para hacer lo mismo cada tarde, con el objetivo de dibujar".

Durante la década siguiente, Houghton dibujó incansablemente. Sus obras, expuestas inicialmente en los círculos espiritistas y olvidadas durante más de un siglo después, cuelgan ahora en los muros del prestigioso museo muniqués Lenbachhaus como parte de la exposición Weltempfänger (Receptoras del mundo), que se puede visitar hasta el próximo 10 de marzo.

En la muestra, esta artista victoriana comparte protagonismo con un tótem del arte contemporáneo (la suiza Emma Kunz) y con la sueca Hilma af Klint. Es precisamente con esta última con quien mantiene un peculiar vínculo: tanto Houghton como Af Klint realizaron obras claramente abstractas antes de tiempo. En concreto, ambas llegaron a la abstracción antes de 1912, una fecha subrayada en color rojo en la historia del arte y que marca la publicación de Sobre lo espiritual en el arte, el ensayo en el que Kandinsky sentó los principios del arte abstracto.

Cuando este influyente ensayo salió a la luz, Houghton había fallecido 30 años atrás. Sus obras, durante décadas, eran conocidas parcialmente, pero como una rareza: de hecho, la mayoría de obras que se le atribuyen pertenecen hoy a la Unión Espiritista Victoriana de Melbourne (Australia).

Lo que se sabe de la biografía de esta mujer es lo que ella misma contó en sus escritos: nació en Las Palmas de Gran Canaria, donde su padre comerciaba con vinos, vivió prácticamente toda su vida en el Londres victoriano, recibió algún tipo de educación artística, nunca se casó y se inició en el espiritismo hacia 1860. Para ello, empleó métodos como las mesas giratorias o el tablero. Era una médium y como tal pintaba. "Para hacer comprensible esta exposición, debo explicar que durante la ejecución de los dibujos mi mano fue enteramente guiada por espíritus. No tenía ni idea de lo que iba a producirse. Ni siquiera sabía, cuando las pinceladas comenzaban, si mi mano iría hacia arriba o hacia abajo", explicó en el catálogo de su primera muestra, en 1871.

Houghton solía pintar los domingos por la tarde, porque creía que era el día de la semana en que había menos espíritus malignos al acecho. Sus primeras obras recreaban formas vagamente orgánicas, pero cuando empezó a utilizar la acuarela sus trazos se volvieron totalmente abstractos. Era una artista consciente del valor espiritual de su obra: al dorso de cada papel apuntaba la fecha, el título, la interpretación que le daba, y también el nombre de los espíritus que la habían guiado durante la ejecución. Algunos eran misteriosos personajes anónimos, pero otros tenían un indudable caché: Tiziano, Correggio, personajes bíblicos e incluso 70 arcángeles.

Aunque tenía un cierto prestigio en los círculos espiritistas, su trayectoria artística no corrió igual suerte: en la exposición que organizó (y sufragó) en una galería londinense en 1871 vendió uno solo de los 155 dibujos incluidos. Sus posteriores tentativas no obtuvieron mejores resultados.

Tampoco sus obras suscitaron un debate en torno a la abstracción, porque ni siquiera ella veía nada particular en su ausencia de motivos figurativos: "Dado que su arte no estaba vinculado al mundo terrenal, no tenía por qué pintar objetos banales", escribe la comisaria Karin Althaus en el estudio preliminar del catálogo de Lenbachhaus. "Las formas abstractas eran perfectamente adecuadas para los mensajes trascendentes que recibía. Para ella, los dibujos mediúmnicos no eran solo objetos bonitos. Eran sermones llenos de simbolismo sagrado, llenos de mensajes espirituales complejos".

El compromiso de Houghton, por tanto, no era con el arte, sino con el espiritismo. "Son obras que no se pueden criticar desde ninguno de los cánones artísticos aceptados", llegó a escribir. Y, en su búsqueda, se adentró en terrenos algo más pantanosos. En 1872, cuando su trayectoria pictórica estaba ya encauzada, comenzó a colaborar con Frederick Hudson, un personaje excéntrico que parece haber salido de la imaginación de un novelista gótico. Hudson había adquirido cierta fama como fotógrafo de espíritus: los clientes acudían a su estudio, posaban ante la cámara y, para su sorpresa, la imagen resultante los mostraba rodeados de presencias espectrales. Houghton, que desconocía los rudimentos de la técnica fotográfica —en aquella época, todo un misterio—, creía en la honestidad de Hudson incluso cuando se demostró que sus fotografías de ultratumba no eran más que trucos generados mediante la utilización de la doble exposición de placas.

Cuando Houghton falleció, en 1884, lo hizo sin sospechar que más de un siglo después sus obras suscitarían preguntas diferentes. Ni que, en aquella época, daba sus primeros pasos otra mujer enigmática y a contracorriente cuyas obras, ahora, cuelgan junto a las suyas en Lenbachhaus.

Relevo de espíritus

Nos referimos a Hilma af Klint (1862-1944). Tras estudiar Bellas Artes en Estocolmo, comenzó en 1906 una intensa actividad artística que no tenía parangón con nada de lo que estaba sucediendo en las artes plásticas en aquella época. "La clave de la pintura abstracta de Hilma af Klint es que hizo visible el mundo invisible", explica con motivo de la exposición Johan af Klint, sobrino-nieto de la artista sueca y actual director de la fundación que custodia un conjunto de 1.300 pinturas, 124 cuadernos y más de 26.000 apuntes y documentos. "Es decir, representó físicamente, sobre un lienzo, ideas filosóficas complejas, conceptos espirituales y experiencias religiosas. En esta tarea estuvo influida principalmente por el Rosacrucismo, la Teosofía y el Cristianismo".

En su caso, el contacto con los espíritus procedía de las sesiones que celebraba en Estocolmo junto a Los Cinco, un grupo teosófico sueco al que pertenecía. Fue allí, durante una sesión en 1904, donde un espíritu que se identificó como Ananda profetizó que Klint pintaría imágenes astrales para representar aspectos inmortales de la humanidad. Hay una cierta similitud en el modo en que Houghton y Af Klint describen su metodología de trabajo. "Las obras se pintaron directamente a través de mí, sin bocetos preliminares y con una gran fuerza. No tenía ni idea de lo que estas imágenes representaban. Sin embargo, trabajaba rápidamente y con seguridad, sin cambiar una sola pincelada", explicó en sus escritos.

Entre 1906 y 1908, siguiendo las instrucciones de los espíritus Gregory, Georg, Clement, Amaliel, Esther y Ananda, Af Klint creó las primeras 111 obras de un ciclo que llamó Pinturas para el Templo. Entre 1912 y 1915 siguió su tarea, pero esta vez a través de las visiones que experimentaba.

Si las obras de Houghton eran dibujos y acuarelas sobre papel, las de Af Klint son monumentales pinturas de gran formato con formas levemente botánicas y abiertamente geométricas. Requerían un inmenso espacio para ser contempladas y, de hecho, en 1916 construyó, con el apoyo financiero de sus amigos y seguidores, un estudio en una isla del lago Mälaren, donde solía pasar sus vacaciones. Allí intentó exponerlas al público, pero la escasa respuesta obtenida la llevó a plantear un escenario más ambicioso, un templo espiral que nunca llegó a construirse. En 1932 indicó que sus obras no debían exponerse hasta al menos 20 años después de su fallecimiento.

La exposición que ahora yuxtapone la obra de ambas artistas tiene interés adicional porque precisamente Lenbachhaus custodia un importantísimo conjunto de pinturas generadas en el seno de Der Blaue Reiter, el grupo de expresionismo muniqués en cuyo marco Wassily Kandinsky creó las obras que los historiadores consideraban como las primeras puramente abstractas. Ese es, al menos, el relato mayoritario establecido a partir de un diagrama en el que el fundador del MoMA, Alfred H. Barr Jr., ubicaba el nacimiento del arte abstracto en 1910. Tanto Houghton como Af Klint comenzaron a desarrollar obras abstractas antes de esas fechas, por lo que podrían considerarse como pintoras abstractas antes de la abstracción.

Aunque los comisarios —Karin Althaus, Matthias Mühling y Sebastian Schneider— sostienen que "lo interesante es el arte abstracto, no la cuestión de quién pintó la primera obra del género", a nadie se le escapa que exposiciones como esta sirven para reescribir —o, si se quiere, perfilar mejor— el relato canónicamente aceptado acerca de los orígenes del arte abstracto. Sobre todo porque dos de sus protagonistas —la tercera es Emma Kunz, posterior a Kandinsky— pertenecen a categorías tradicionalmente excluidas de buena parte de la genealogía del arte moderno: mujeres, espiritistas y ajenas a los círculos del arte.

No es baladí, por tanto, insertar una perspectiva de género en la cuestión: frente a un mundo del arte predominantemente masculino, los círculos espiritistas y esotéricos aceptaban a muchas mujeres entre sus integrantes y les proporcionaban un ámbito de libertad e independencia que no era posible en otros ámbitos.

Otra discusión es si resulta legítimo hablar de abstracción a propósito de la obra de dos mujeres que no empleaban dicho término para definir su trabajo. Tanto Houghton como Af Klint (y, más tarde, Emma Kunz) se consideraban "receptoras" y, por lo tanto, no enteramente responsables de su obra. Pero también Kandinsky, al trazar la presencia de lo espiritual en el arte, se hacía eco de las teorías teosóficas difundidas en su época y hablaba de la "necesidad interior" para definir el impulso pictórico.

El debate sobre la influencia del espiritismo, el ocultismo y las corrientes esotéricas en el arte contemporáneo ha conquistado posiciones teóricas desde 1986, cuando el comisario Maurice Tuchman abordó el tema por primera vez en The Spiritual in Art: Abstract Painting 1890-1985 en Los Angeles County Museum of Art. Hoy parece difícil llegar a un relato unificado sobre el origen de la abtracción, pero, como recuerda Karin Althaus en el catálogo de World receivers, "siempre se descubrirá un caso anterior". Y, en cualquier caso, exposiciones como la que se puede visitar en Lenbachhaus ponen sobre la mesa el legado de dos artistas enigmáticas que, de un modo insólito y que hoy puede parecer azaroso, se adelantaron sin saberlo a la gran revolución artística del siglo XX.

(FUENTE: elpais.com)

'La llum negra': un viaje alucinante por la psicodelia y el ocultismo en el arte

Hay expresiones artísticas que resultan altamente difíciles de explicar tan solo con palabras porque tratan básicamente de sensaciones. Una de ellas es La luz negra, que puede verse estos días en el CCCB (Centre de Cultura Contemporània de Barcelona), y que pretende repasar las tradiciones secretas en el arte desde los años 50. Abarca temas tan dispares como la parapsicología, la magia, la psicodelia, las drogas o el ocultismo. Seguro que no deja a nadie indiferente.

La entrada a la exposición ya es, en sí misma, un símbolo, unas interminables escaleras mecánicas que parecen conducirte a otro mundo. Si es el cielo o el infierno dependerá de la opinión de cada uno. Podemos seguirla con una audio guía gratuita a través del móvil que nos ayudará a completar la experiencia.

En el primer grupo de obras destacan las de Antoni Tàpies y los cuadros a lo Joan Miró de Joan Ponç, mostrando mundos oníricos; las acuarelas de Henri Michaux, autor que trabajaba con la ayuda de su amiga mescalina, y las reconocidas portadas de clásicos del rock como The dark side of the moon de Pink Floyd, el Sargent Peppers de los Beatles o Their satanic majesties, los Rolling Stones. Incluso podemos escuchar algunas de las canciones a través de unos auriculares y descubrir elementos insólitos como un cilindro con luz denominado Dreamachine.

Directores de cine con secretos

Cineastas como Derek Jarman (autor de filmes como Caravaggio o Eduardo II) forman parte de esta muestra donde se proyectan sus primeros cortos experimentales. De otro realizador, el chileno Alejandro Jodorowsky, fundador del movimiento Pánico con Fernando Arrabal y Roland Topor, podemos ver un fragmento de su filme La montaña sagrada. Hay varios cortometrajes de películas del cineasta Kenneth Anger, que abordó temas como el satanismo o la homosexualidad, y también podemos fijarnos en la figura de David Bowie, la más polémica de la época. La parte cinematográfica se completa con otros documentales sobre ocultismo.

El escritor William S. Burroughs (El almuerzo desnudo), uno de los principales representantes de la generación Beat, está presente con algunos de sus alucinógenos cuadros y los de Zush evocan la psicodelia hippie que vivió en los años 60 en Ibiza. El esotérico Francesco Clemente fue el autor de una serie de originales cartas del Tarot repletas de simbolismo en las que utilizaba los rostros de sus amigos.

Se exponen igualmente unos curiosos libritos miniatura sobre artistas como Bob Dylan, Jack Kerouac o Allen Ginsberg y la obra del músico y poeta Genesis P-Orridge, cantante del grupo de acid house Psychic TV, del que se proyectan algunos videos musicales bastante originales, así como su pintura Burns forever thee light, una reflexión religiosa.

Tras un viaje tan lisérgico lo mejor es tomarse un respiro en un lugar diferente. Se trata de un espacio para la meditación denominado Habitación para la iniciación. Un cuadrado totalmente blanco en el que podemos entrar siempre y cuando nos descalzemos previamente. Así alcanzaremos el nirvana necesario para poder salir a la calle en silencio y absortos tras el viaje alucinante que hemos vivido. Todo un tripi artístico sin necesidad de haber consumido sustancia alguna.

(FUENTE: elperiodico.com)

La primera artista abstracta de la Historia fue canaria y veía fantasmas

"Raras veces en mi vida de crítico de arte me he quedado tan pasmado como delante de las acuarelas de Georgiana Houghton. Las fechas de sus dibujos hicieron que me restregara los ojos con incredulidad [...] Ha aparecido una artista en el arte que reescribe la Historia", dice Waldemar Jannuszczak, veterano crítico de arte que siempre encuentra alguna pega a las exposiciones en sus textos de The Sunday Times.

En The Guardian, el crítico Jonathan Jones se rinde también a los pies de la oscura artista victoriana, nacida en España. "Es la primera artista abstracta [...] Esta mujer fue un genio que sólo pudo crear y enseñar su arte atribuyéndolo a hombres blancos muertos", argumenta Jones. Sin duda, la exposición de Georgiana Houghton ha sido la revelación en el mundo del arte londinense a pesar de ser una muestra modesta que hace honor a aquello de que "el perfume bueno va en frasco pequeño". Algunas de sus obras se parecen a las de los inicios de la americana Georgia O'Keeffe (1887-1986) que expone en Tate Modern con gran bombo publicitario.

Seguramente no se reescribirá la Historia del Arte porque la galería Courtauld haya rescatado a Georgiana del olvido. La artista, una mística incluida en el cajón del arte Brut o el no académico de autodidactas, nació en Las Palmas de Gran Canaria el día 20 de abril de 1814. Fue la séptima de los hijos de una familia de comerciantes que se trasladó a Londres, donde se formó Georgiana. La muerte de una hermana, a la que se sentía muy unida, en 1851 la llevó a intentar comunicarse con el espíritu de la difunta. El espiritismo, a su manera compatible con la religión cristiana, llevó a Georgiana en 1861 a producir dibujos de la mano de... los fantasmas. "El espíritu es quien conduce mi mano cuando pinto sin que yo pueda hacer nada para controlarlo", escribe Georgiana sobre su propia producción.

El resultado de esta interrelación espiritual son auténticas obras de arte que, de haber sido conocidas y difundidas, se hubiesen adelantado a Wassily Kandinsky y sus teorías del arte abstracto de 1910. Georgiana hubiese sido la fundadora de este arte en lugar del ruso. Mundos cósmicos en los que reina el orden del desorden. Pero, a diferencia de Kandinsky, la canaria vivió en la oscuridad del espiritualismo en la época victoriana en Londres. La vida no le fue bien. Su familia empobreció y ella se enganchó al espiritismo, convencida de que la comunicación con los espíritus era la mejor forma de acercarse a Dios. Hacía de médium y producía obras de arte o "dibujos de espíritus". 

En 1871 contaba con una producción de 150 obras que quiso exponer en la New British Gallery, en Bond Street. Se arruinó con la exposición. La muerte de sus padres y de sus protectores familiares la incitaban en su objetivo de comunicarse con los muertos. Se hizo fotógrafa en un estudio de Londres para captar con la cámara fotográfica sombras y signos de otras vidas, ajenas a la suya. Murió en la pobreza en 1884 en Londres. La mayoría de sus obras recalaron en la Unión de Espiritistas Victorianos de Melbourne (Australia), donde fueron enviadas para una exposición que no se llegó a realizarse.

La exposición que ha descubierto a Georgiana a sus compatriotas se nutre básicamente de obras procedentes de Australia. Llevan títulos tan explícitos como Flor de Warrand Houghton, La Sagrada Trinidad, 29 de noviembre de 1861, El monograma de Cromwell Varley, de 1869, o El ojo de Dios. Algunas de las pinturas cuentan en el reverso la génesis de las mismas. En la fallida exposición de 1871 Georgiana proveyó al público de lupas para examinar con mayor atención sus producciones. La Courtauld Gallery ofrece también lupas para ser fiel a la artista y contemplar sus obras. Han pasado 150 años desde que creó sus obras, pero la entrada que ha hecho en Londres ha sido sonada. La muestra está abierta hasta el 11 de septiembre.

(FUENTE: elmundo.es)

¿Solari Parravecini predijo los atentados en Francia?

El artista argentino hizo profecías de todo tipo: guerras, dictadores y hechos geopolíticos de relevancia. En una de sus obras inéditas el artista mencionó a Francia con una vela negra, símbolo de la magia negra y el ocultismo.

La investigadora Bibiana Bryson publicó en su blog una serie de psicografías inéditas del artista argentino Benjamín Solari Parravecini que advertían acerca de episodios que ocurrirían en la "ciudad luz" y en Francia en particular. 

Una de las imágenes claramente hace referencia a París se observa en el gorro las letras RF (república francesa) aquí tenemos una doble profecía.

Nostradamus predice lo mismo en su cuarteta ochenta y cuatro, centuria tres:

«Caerás, durante la tercera visita,

en manos extranjeras y tus enemigos

mirarán desde lejos cómo arden tus palacios,

reducidas tus moradas a un montón de ruinas

y rociadas con la sangre de tus prohombres que ya no existen...».

Ahora, bien, Parravicini es más preciso, escribe "la ciudad luz", que es París. RF, que es república francesa y muestra a un individuo (entidad), mostrándole a Francia una vela negra. No creo que sea nada positivo, pues según mi parecer, la vela negra es utilizada en rituales satánicos y en sociedades secretas, representa también el camino de la mano izquierda. Esto probablemente queda reforzado por la famosa profecía de las torres gemelas, en ella dice.

Debajo de la república francesa (RF) y América hay lenguas de fuego, demostrando que ambos vivirán el mismo infierno.

La ciudad norteamérica perderá su luz,

su antorcha, no alumbrará como ayer...

o sea, no será la misma luz,

pasamos probablemente de la luz blanca.

a la luz negra

Solari Parravicini profetizó sobre las guerras de Vietnam y Bosnia, enfermedades como el SIDA y el Ébola, grandes catástrofes naturales, y temas más triviales como la moda. Otro tema tocado por este hombre fue la llegada de seres de otras dimensiones que tomarán contacto con los hombres en forma pacífica y los describe como "criaturas de Dios", similares a los humanos aunque con mayor inteligencia. Dice que llegarán en el nombre de Cristo.

Realizó más de 700 psicografías compuestas por un dibujo acompañado de un pequeño mensaje a modo de explicación, y la mayoría de ellas se destacan por su gran exactitud, profecías que abarcan absolutamente todos los ámbitos de la actividad humana: acontecimientos políticos, sociales, culturales, espirituales, metafísicos, científicos, tecnológicos, y que fueron anticipados por este notable vidente, injustamente olvidado en su propio país y poco o nada conocido en el resto del mundo.

Parravicini, como practicante de la religión católica, denota una clara intención y llamado a la caridad, a la paz y amor al prójimo, como pilares fundamentales del ser humano. Darse al otro, para poder "ser". Más allá de sus "profecías" o "vaticinios" realizados en sus psicografías, su principal mensaje es ese, vivir amando al prójimo.

Murió en 1974, legando al mundo no solo sus visiones, sino dejando un ejemplo de vida.

(FUENTE: diario4v.com)

Arte telepático, mapas de sueños, retratos psíquicos..., una historia de los creadores 'irracionales'

Los escritores lo tienen claro: la telepatía existe. El novelista inglés Ian McEvan sostiene que mientras transmite "pensamientos y emociones a cualquier invisible lector" está ejerciendo el envío de contenidos psíquicos entre personas sin intervención de agentes físicos conocidos. El estadounidense Stephen King, cuya densa obra es un catálogo de fenómenos paranormales, reduce el axioma a una pregunta y una respuesta: "¿Qué es la escritura? ¡Pura telepatía!".

Aunque no es aceptada por casi ningún científico —lo cual tampoco debe extrañar dado el empirismo que domina en el gremio—, la telepatía (del griego tēle, lejos, y pathéein, experimentar) como forma instantánea de percepción extrasensorial o cognición anómala es un caramelo demasiado dulce para que los artistas lo rechacen. Uno de los creadores más valientes de la historia, y también uno de los más agudos teóricos del arte, Vasili Kandinsky (1866-1944), abandonó la figuración para experimentar con la influencia de las figuras en los estados de ánimo y la espiritualidad en la pintura —"el color es un medio de ejercer influencia directa en el alma", decía—.

'Sentimientos que no tienen nombre' 

Al igual que el maestro alemán, que en 1911 publicó el ensayo De lo espiritual en el arte [PDF] para proponer a los creadores "buscar sentimientos más sutiles que en la actualidad no tienen nombre", muchos otros creadores del siglo XX se dejaron mecer por la búsqueda de inspiración en la parte trasera de la mente, en los complejos, y no siempre fáciles de descifrar, signos del subconsciente o de los mundos paralelos al tangible. La exposición Cosa mentale. Les imaginaires de la télépathie dans l'art du XXe siècle (Cosa mental. Los imaginarios de la telepatía en el arte del siglo XX) explora las formas de arte basadas en la transmisión directa y no cognitiva del pensamiento y la emoción.

La muestra, en la sucursal del Centro Pompidou en Metz (Francia) hasta el 28 de marzo de 2016, no sólo destaca por la singularidad del tema y el abordaje —"una relectura de la historia del arte del siglo XX" concentrada en "una de las aventuras inesperadas de la modernidad: el arte telepático"—, sino por la amplitud —se muestran un centenar de obras de todas las disciplinas— y el reparto de creadores: medio centenar, desde Edvard Munch y Kandinsky a Joan Miró y Sigmar Polke. 

'Más allá de los códigos convencionales'

El coordinador de la muestra, el profesor de Historia de Arte en la Sorbona y escritor Pascal Rousseau, dice: "Estos artistas proporcionan formas innovadoras de comunicación con los espectadores que nos llevan más allá de los códigos lingüísticos convencionales". Estamos frente a un destacamento de pintores, escultores, videoartistas y expertos en instalaciones que practican el arte paranormal, movido por la telepatía, las drogas expansivas, el aura psíquica...

"Esta fantasía de una proyección directa del pensamiento no sólo tuvo un decisivo impacto en el nacimiento de la abstracción, sino también el surrealismo (...) y las instalaciones inspiradas en la revolución de la tecnología de la información o el sonido", añade. 

'Fotografías del pensamiento'

El recorrido es cronológico: comienza cuando en 1882 cuando el psicólogo inglés Frederic W. H. Myers introdujo por primera vez la telepatía en los círculos científicos y culmina con la actual "desmaterialización del arte" en las prácticas conceptuales. Entre ambos momentos, repasa desde las primeras fotografías del pensamiento, como llamaron a los encefalogramas en principio, hasta los múltiples caminos que abrió la insistencia de los surrealistas en mostrar en toda su transparencia la actividad real del cerebro gracias al automatismo creativo. 

En 1924, cuando se publicó el Manifiesto Surrealista [PDF], la telepatía estaba lejos de ser considerada una "fantasía paranormal oscura" y los artistas se entregaban a prácticas como los cadáveres exquisitos o poemas al alimón, una forma combinatoria, grupal y sólo regida por el azar, de escritura o dibujo. "Siempre presente en el mundo de la ciencia ficción, resurgida en el arte psicodélico y conceptual entre 1.960 y 1970, la telepatía reaparece hoy en las prácticas contemporáneas del conocimiento compartido", explica el coordinador. 

Visualización del pensamiento 

Buena parte de la exposición está dedicada, en la sección Auras, a los intentos artísticos de "visualización directa del pensamiento y de los estados emocionales". Además de muestras pioneras de psicofotografías de Hippolyte Baraduc e imágenes de lo invisible de Louis Darget, que experimentaron con la posibilidad de ver a través del cráneo y retratar el cerebro y, por extensión, el pensamiento tras la invención, en 1895, de la radiografía, el área contiene obras de artistas que intentaron la representación de los estados emocionales y los patrones de pensamiento, entre ellos Kandinsky y sus primeros tanteos con la abstracción y los retratos psíquicos de Wilhelm Morgner y Jacob Bendien.

Completan la sección diez dibujos de las Pizarras negras de Rudolph Steiner, intentos de hacer capturas de pantalla de la actividad cerebral pintados por el fundador de antroposofía, la "ciencia de la mente" que fue una gran influencia en algunos abstractos, entre ellos una de las pioneras del movimiento, la sueca Hilma af Klint, de quien se expone una colección de acuarelas. Una instalación multimedia, creada especialmente para la exposición, del artista contemporáneo Tony Oursler, reinterpreta proyecciones mentales. 

El 'mapa mental' de Miró

La sección Campos magnéticos muestra una serie de obras de Miró, en la que el pintor representa auras de colores, incluyendo un "mapa mental" de estados emocionales, una "fotografía de los sueños". En Expandir la mente, dedicada a la psicodelia y el arte influido por drogas, hay "instantáneas de pensamientos" de Ted Serios, vídeos de Jordan Belson y cuadros de, entre otros, John Baldessari y Polke.

La música está presente con obras del biomúsico David Rosenboom, que produce "sinfonías cerebrales" después de transcribir la actividad mental capturada por electrodos conectados a su cabeza. La exposición termina con una instalación del francés Fabrice Hyber, que permite a los espectadores a participar en una experiencia multisensorial en una cabina.

(FUENTE: 20minutos.es)

Los códigos ocultos de la estatua del diablo de Detroit

Una controvertida estatua develada la semana pasada por el Templo Satánico en una ceremonia secreta en Detroit (Michigan) está causando protestas en Estados Unidos. ¿Qué es esa figura con cabeza de cabra? ¿Qué simbolismo tienen los elementos que decoran la estatua?

La estatua de bronce mide 2,7 metros y representa un hermafrodita alado conocido como Baphomet, flanqueado por dos niños sonrientes. Costó US$100.000 y cientos de autodenominados satanistas acudieron a la inauguración.

El Templo Satánico quiere trasladar la pieza 1.450 kilómetros al suroeste del país y ponerla frente al monumento de los Diez Mandamientos que está situado fuera del edificio del Capitolio de la ciudad de Oklahoma (EE.UU.).

El Baphomet "complementará y contrastará" los mandamientos cristianos que incluyen "prohibiciones inconstitucionales en contra de la libertad de expresión y el libre ejercicio de la religión", según dice la organización.

"Nuestra estatua servirá como faro llamando a la compasión y a la empatía entre las criaturas vivientes", asegura Lucien Greaves, el cofundador del grupo.

Greaves espera que personas de todas las edades "se sienten en el regazo de Satán para recibir inspiración y reflexionar… Es una pequeña atracción turística. La gente viajará desde muy lejos para verla".

EL NOMBRE BAPHOMET

El nombre se remonta a la Inquisición y la tortura de los Caballeros Templarios sobre el año 1100 que, según los cronistas franceses de las Cruzadas, confesaron adorar a un ídolo pagano llamado Baphomet.

"Somos conscientes de la figura satánica como un símbolo de la naturaleza inherente del hombre, representante del eterno rebelde, consulta iluminada y la libertad personal en lugar de una deidad sobrenatural o ser", dice el Templo Satánico. 

Algunos historiadores creen que "Baphometh" era simplemente una derivación del nombre "Mahoma", el profeta fundador del islam.

Pero a lo largo de los años el misterio y la especulación en torno a los Templarios creció, así como las interpretaciones de la palabra y su significado.

Una elaborada interpretación incluso inspiró la trama del libro Da Vinci Code (El Código Da Vinci) de Dan Brown, en el que la palabra Baphomet es decodificada y traducida como "Sofia" o sabiduría.

LA IMAGEN DE LEVI

La imagen moderna más conocida de Baphomet fue dibujada en 1856 por el ocultista francés Eliphas Levi, en su libro "Transcendetal Magic: Its Doctrine and Ritual" (Magia Transcentental: Su doctrina y ritual)

Su imagen es la de un hermafrodita alado con una antorcha entre sus cuernos y un pentáculo en la frente.

En sus brazos lleva escrito las palabras en latín "solve" (separar) y "coagula" (unir), los poderes de ser "atado y desatado" usurpado de dios.

El dibujo de Levi fue la inspiración del monumento del Templo Satánico.

"Contiene todos esos opuestos binarios – arriba y abajo, parte animal y parte humano, macho y hembra", explicó Greaves.

"Encarna opuestos y celebra los contrastes", agregó.

DOS DEDOS

Los dos dedos de la mano derecha estirados señalando hacia arriba y los dos de la mano izquierda significan "como es arriba, es abajo".

Estas palabras y el gesto que lo acompañan es familiar para los ocultistas. Provienen de las obras antiguas de Hermes Trismegisto, cuyos escritos se hicieron populares durante el Renacimiento y Reformismo.

La frase se usa también en relación a la ciencia, el universo y Dios, pero como Levi lo escribió, haciendo ese gesto, su Baphomet "expresa la perfecta armonía de la misericordia con la justicia".

DOS NIÑOS

"Esperamos que los niños lo vean como una bonita obra de arte, no hay nada a lo que temer. Eso es lo que simbolizan los niños", asegura Greaves.

"El rostro de la cabra tiene una expresión neutra. No es demoniaca, feroz o monstruosa, como se podría imaginar, si se miras sin el bagaje cultural", de lo que implica la estatua.

La estatua despertó protestas. El pasado 25 de julio hubo una misa en la Iglesia Católica de San José en Detroit en contra de la figura satánica.

Pero ¿de verdad los niños no tienen nada que temer de Satán?

"No creo que los niños que se acerquen al monumento sin haber sido influenciados por la propaganda encuentren algo terrorífico", opinó Greaves.

"Pero no estamos adoctrinando niños. La mayoría de los niños son obligados a tener una religión. Eso es algo que nosotros no nos preocupamos en hacer".

EL CADUCEO

En la parte del estómago de Baphomet hay un antiguo símbolo griego de dos serpientes enroscadas alrededor de una vara, que según la mitología perteneció a Hermes.

El templo ofrece "ideas satánicas racionales".

El caduceo simboliza el comercio, la negociación y la reciprocidad fue incluido en el Baphomet de Levi.

"Para nosotros simboliza la reconciliación de los opuestos, como tener un monumento satánico frente a uno cristiano", apunta Greaves.

ADAPTACIÓN

La imagen de Levi es hermafrodita pero tiene pecho, en el caso de la de Detroit no tiene estos atributos.

El templo no quería entrar en el tema sobre género que, consideran, podría haber distraído la atención sobre lo que consideran es lo más importante: el mensaje de Baphomet.

De hecho, señaló Greaves, el niño y la niña reflejan el "dualismo masculino-femenino".

PENTÁCULO

Aparece en la frente de Baphomet y en el respaldo del trono, el pentáculo es ampliamente reconocido como un símbolo satánico y a menudo aparece de forma invertida.

El pentáculo es ampliamente reconocido como un símbolo satánico y a menudo aparece de forma invertida

La cruz de San Pedro también es invertida, como se hizo durante la ceremonia de inauguración del Templo Satánico.

"Esta inversión es la percepción de Satán. Invita a las personas reconsiderar su bagaje cultural, mirando a las evidencias y reconsiderar sus valores", agrega.

LA ANTORCHA ENTRE LOS CUERNOS

La antorcha del conocimiento es el cuerdo del medio, glorifica la búsqueda del conocimiento. Le damos mucha importancia a eso, es central para nuestras creencias en general", dijo Greaves.

Como escribió Levi: "La llama de la inteligencia brillando entre sus cuernos es la luz mágica del equilibrio del universo, la imagen del alma sobre la materia, mientras la llama,, está atada a la materia, brilla por encima de ella".

INSCRIPCIONES

Todavía tienen que ser agregadas pero el Templo Satánico tiene previsto hacerlo.

En la parte delantera de la estatua, sobre el pentáculo invertido, se inscribirá uno de sus siete principios: "El espíritu de compasión, sabiduría y justicia debería prevalecer siempre sobre la palabra escrita o hablada".

Por detrás de la losa habrá un pasaje de la obra de Lord Byron Cain: "Entonces, ¿quién es el demonio? El que no dejaría que viviera, o el que hubiera hecho que viviera para siempre, en la alegría y el poder del conocimiento?"

(FUENTE: elcomercio.pe)

Inteligencia artificial crea el primer dibujo por su propia cuenta

La imagen, que inquieta bastante, fue desarrollada por una Inteligencia Artificial sin ayuda humana. No precisó de algoritmos ni de programación previa para realizar el dibujo. Lo único que se creó por el ser humano fue “el ser inteligente artificial” que ha hecho la obra. Todo ello a través de una computadora IBM. ¿Y a ti, te da miedo esta imagen? ¿Qué nos espera a los seres humanos en 50-100 años? ¿Nos dominarán las máquinas como ya han advertido personas como Stephen Hawking o Bill Gates?

La Inteligencia Artificial es un mecanismo avanzado de programación informática. Digamos que es el límite actual donde puede llegar el ser humano creando inteligencia en ordenadores. Entonces, a la Inteligencia Artificial se le da una programación base, y desde ahí es capaz de desarrollar mas código aprendiendo de sus errores.

Algo así como que Windows fuera capaz de reconocer un error propio (o que tu le muestres un error), y él mismo, sin que tu le indiques, sea capaz de desarrollar una solución y aplicársela a si mismo.

En este caso, esta Inteligencia Artificial nadie la programó para dibujar. Pero al ir aprendiendo de sus errores, en algún momento desarrolla la capacidad de dibujar, y la aprende y aplica, logrando este dibujo que ves.

Podríamos decir que es autodidacta. Algo que los humanos hace mucho que lo hacemos, pero las máquinas hasta ahora no.

(FUENTE: horizontnews.com)

Fotógrafo de fábricas y hoteles abandonados: "He visto muchos sucesos paranormales"

Niki Fiejen es un popular fotógrafo holandés que se especializa en capturar lugares abandonados. Ahora se encuentra promocionando su libro “Frozen”, que saldrá a la venta en septiembre y que pueden preordenar en este vínculo: http://www.nikifeijen.com/frozen. La publicación de Fiejen muestra espacios desamparados que los harán sentir escalofríos.

Publimetro entrevistó a Fiejen, quien nos contó los extraños sucesos paranormales que ha presenciado gracias a su trabajo. Pueden ver algunas de sus obras en la galería y el resto lo pueden encontrar en su sitio o en su cuenta de Facebook: http://www.nikifeijen.nl/bio y www.facebook.com/theartofurbex.

¿Por qué decidió fotografiar estos lugares?

Mi fascinación con los lugares abandonados comenzó cuando era un niño. Cerca de mi pueblo había una casa/fábrica abandonada. Era un edificio terrorífico. Pasé por ahí millones de veces hasta que me atreví a asomarme. Sentí adrenalina. Emoción. Fue maravilloso. Años y años después cuando tomaba fotos de carreras y conciertos de rock descubrí que había personas que fotografiaban lugares abandonados. Ver esas imágenes revivió recuerdos y pronto decidí hacerlo también. Eso fue hace 10 años. Creo que las personas disfrutan ver fotos de edificios abandonados porque nos perdemos en ellas. Nuestra imaginación se vuelve loca pensando: ¿Qué pasó ahí? ¿Por qué fue abandonado? Es fácil imaginar que hay personas sentada en los bancos de una iglesia desamparada. Creamos nuestras propias historias alrededor de estas imágenes.

¿Cómo encuentra los lugares para tomar estas fotos?

Buscar lugares abandonados es una de las tareas más tardadas y difíciles. Cada semana paso horas y horas viendo Google Earth, “volando” sobre paisajes, buscando lugares que cumplan ciertos criterios. Presto atención a propiedades grandes que parezcan abandonadas. Es fácil encontrar un hotel que ha sido invadido por la vegetación, a veces los caminos hacia esos lugares se están borrados. Después de encontrar un lugar como esos, debo ubicarlo en Google Maps. Después de eso, todo es con prueba y error. Me subo al auto y voy a investigar. El 20% de los lugares que encuentro sí están abandonados. Desafortunadamente, de ese 20%, tal vez uno de cada seis es un buen lugar. Pero entrar en uno de esos lugares siempre rinde frutos y hace que todo el esfuerzo valga la pena.

¿Cuántas ciudades y países visitó para crear este libro?

Las fotos de 'Frozen' fueron capturadas en el último año y medio. Las tomé en ocho países de Europa. Viajé de Francia a Polonia a Italia.

Cuando se encontraba en estos lugares, ¿tuvo miedo en algún momento?

Soy un tipo muy aterrizado y no creo en los fantasmas ni en lo paranormal. Aún así, vagando por hoteles abandonados de cinco estrellas me encontré con muchas cosas extrañas que me hicieron sentir afortunado cada vez que salía de ahí. Las puertas se azotaban, las cortinas se movían. Tenía muchos problemas con mi cámara. Las baterías se drenaban aún cuando las había cargado horas antes. Aparecían notificaciones de “Error” en la pantalla de la cámara que desaparecían cuando regresaba a casa. Lo más raro que pasó fue cuando uno de mis amigos salió aterrado de una habitación. Aseguró que su pie se había “hundido” en el piso. Cuando inspeccionamos la zona, no había nada raro, el piso era completamente sólido.

(FUENTE: publimetro.cl)

El arte de los espíritus

'Josefa Tolrà. Dibujo de fuerza fluídica' muestra la obra de una médium de Cabrils (Maresme) que empezó a pintar a partir de los 60 años cuando entraba en trance y que sorprendió a pintores y poetas consagrados como Joan Brossa, Modest Cuixart y Antoni Tàpies. Las piezas expuestas en Mataró proceden de la colección familiar y de dos museos internacionales, el MACBA y el Museo Reina Sofía de Madrid.

Dibujos de fuerza fluídica. Así era como la payesa 'Pepeta de Cabrils', tal como era conocida Josefa Tolrà (1880-1959) definía la obra que emanaba de sus dedos cuando entraba en trance, un estado al que llegó por primera vez superados los 60 años a causa de la experiencia traumática de ver morir a dos de sus tres hijos. Más de medio siglo después de su muerte, se presenta en Mataró la exposición más completa de la "maravillosa Pepeta" como la describió Cirici-Pellicer.

La exposición muestra la obra de la vidente, una mujer anónima que sorprendió a pintores y poetas como Joan Brossa, Modest Cuixart y Antoni Tàpies, entre otros, hasta el punto que una parte de sus obras procede de las colecciones del MACBA y el Museo Reina Sofía de Madrid. En vida, Josefa Tolrá sólo expuso una vez en una galería de Barcelona, tras lo cual, una ínfima parte de su obra sólo ha sido accesible al gran público en los museos.

Josefa, escribía sin presión estética, ni literaria, sólo actuaba de mediadora entre el mundo material y espiritual y titulaba la mayoría de sus obras con la firma y el epígrafe "dibujo fuerza fluídica" el mismo que da nombre a la primera exposición de la payesa de Cabrils. Tolrá en su estado, según la comisaria de la exposición, Pilar Bonet, no reconocía como propia su obra y por ello la firmaba a otros. Escribía novelas, dibujaba y bordaba telas sin haber recibido la más mínima formación. Su obra pictórica suma más de un centenar de dibujos llenos de detalles y siempre con la presencia de figuras humanas.

La exposición incluye una entrevista con Maria Tolrà, sobrina de Josefa y un vídeo inédito donde Joan Brossa explica cómo conoció a la vidente. La muestra se divide en cinco apartados diferenciados: los dibujos en libretas, sus bordados, cuadros con escenas bíblicas y su universo espiritual.

(FUENTE: lavanguardia.com)